Los 100 Discos Olvidados De La Década 7.0

NOTA: Esta lista está compuesta por 10 discos que considero esenciales durante el año en cuestión, algo que no puede faltar en el ropero del melómano. Se trata de discos que no han sido incluidos en la mayoría de las listas “profesionales” (y a los cuales me referiré como “elecciones obvias”) pero que siguen siendo excelentes y totalmente recomendables.

Queridos lectores Bolteneanos, ésta es la última lista por un par de semanas ya que estaré disfrutando del paradisiaco (yeah, right) puerto de Mazatlán por unos días y por lo tanto estaré alejado del internet, el ciberespacio y, más importante, mi iTunes (desafortunadamente). Regreso a principios del 2010 (uy) para darle cran a los últimos 3 años de la década. Mientras tanto, disfruten la música que les recomiendo. Aprovechen sus aguinaldos y compren al menos un disco. Hay que mantener al formato vivo, por favor.

Otra cosa, discriminar discos para quedar en la lista de CASI resulta más difícil de lo que creen y por eso decidí eliminar esa sección e incluir otra en la que incluyo los demás discos del año que recomiendo (obviando las elecciones… bueno… obvias).

Felices fiestas y salud!

2006

Youth Group – Casino Twilight Dogs

Youth Group son unos australianos que llevan haciendo música desde los noventas, pero que realmente me cautivaron con Casino Twilight Dogs y su cover de la canción de Alphaville, Forever Young. Casino Twilight Dogs es su tercera entrega y, a pesar de ser un grupo que nunca ha visto las ondas radiales de occidente, en su natal Australia son un grupo muy reconocido. No es para menos. Casino Twilight Dogs es una muestra de su calidad, su talento y su capacidad para hacer música: folk rock a-la-Decemberists con dejos de rock sureño estadounidense a-la-Tom Petty And The Heartbreakers. Recordemos que Australia es un foco brillante en cuanto a la producción de rock.  Caso curioso: la vida los llevó a que sus discos fueran editados en Estados Unidos por Epitaph, la disquera punk por excelencia.

The Decemberists – The Crane Wife

Puede sonar como una elección obvia, pero no me voy a arriesgar con los “expertos” y mejor lo incluyo. The Crane Wife es un disco concepto que cuenta una historia popular japonesa en la que un hombre rural cura a una grulla que encuentra herida en el campo. Resulta que, muy japonés, esta grulla era mágica y unos días después, llega con el hombre en la forma de una mujer hermosa, de quien el hombre se enamora. Como eran pobres, deciden hilar una tela para venderla en el mercado, con la condición de que la mujer lo hiciera tras puertas cerradas. Pasa el tiempo, les empieza a ir bien económicamente y la curiosidad hace que el hombre abra la puerta mientras su esposa trabajaba, para encontrarse con que su esposa es la grulla que rescató años antes. La grulla usaba parte de su plumaje para hilar esa tela hermosa. Al verla, el hechizo se rompe y la grulla se va volando para nunca regresar. Triste historia que deriva en un magnífico disco con pasajes progresivos más propios de los reyes Pink Floyd que de unos tipos de Portland, Oregon. Uno de los mejores de la década.

The Butterfly Effect – Imago

The Butterfly Effect es una banda desconocida oriunda de Brisbane, Australia cuyo segundo disco, Imago, debutó en el #2 de las listas de popularidad australianas. Un disco post-grunge que también coquetea con ser art-rock, Imago es pesado, progresivo, y tiene influencia clara del muy odiado nü-metal, pero eso no significa que sea un disco malo, al contrario, empapado con los géneros de la nueva década, se vuelve un disco muy interesante por sus riffs de guitarra pesados, la voz poderosa de Clint Boge y la melodía desencajada y el tono general del disco. No es un disco para el diario, se necesita cierto mood para poder disfrutarlo, pero cuando ese mood está presente, este disco sin duda es una verdadera joya ensombrecida por los fantasmas sonoros de su pasado. Desestimen la influencia nü-metal y veanlo como un disco de rock pesado. Hecho eso, disfruten esta pieza de furia juvenil. Imperdible.

Unearth – III: In The Eyes Of Fire

Ya que estamos en un mood para algo pesado, una de las mejores bandas de metalcore nos entregan en esta, su tercera producción, una muestra de que sigue existiendo música pesada. Doble bombo, afinaciones en Do y gritos se combinan perfectamente para regalarnos una de las mejores piezas de lo pesado que se pueden encontrar en ésta década. Pasajes melódicos se dejan entrever en algunos coros para aliviarnos de la constante metralla que significa este estilo para alistarnos nuevamente al reingreso. Un gran disco que incluso debutó en el #22 de Billboard, cortesía de una de las mejores bandas del género. Les advierto, no es un disco para todos. Para los que alguna vez fuimos fanáticos de Pantera, es un regalo de los dioses.

Trentemøller – The Last Resort

Este danés (y dale con los escandinavos) es mi artista electrónico preferido, no porque me pone a bailar, sino todo lo contrario. Es cierto que muchas de sus canciones tienen beat bailable, pero es más un movimiento rítmico de la cabeza que un sonido para poner en fiestas. Me gusta describir a este, su álbum debut, como un disco introspectivo y personal. Catalogado en el minimal, también tiene ciertos pasajes techno y progre, pero no me voy a meter en etiquetas y simplemente voy a recomendar este disco como algo de lo mejor que dio la electrónica en esta activa década. Todos alguna vez nos hemos topado con alguien que “no le gusta la electrónica” sin dar razones concretas, aunque todos entendemos la razón. Es un género difícil. Este disco demuestra todo lo contrario.

Zoé – Memo Rex Commander Y El Corazón Atómico De La Vía Láctea

Mucha polémica ha generado Zoé en cuanto a si están sobrevaluados o son unos de los máximos genios que ha entregado nuestra música. Pese a su sobreexplotación (que no sobrevaluación), Zoé sigue, indudablemente, siendo la banda referente para las bandas emergentes de nuestro rock. Asi que si no les gusta Zoé, no les va a gustar lo que venga de rock mexicano en los siguientes 10 años. Disco de oro (60,000 unidades, según los estándares mexicanos) antes de las 4 semanas desde su lanzamiento, Memo Rex Commander Y El Corazón De La Vía Láctea se antoja como el mejor disco de la banda. Su tercera entrega, es cuando se escuchan más maduros que nunca, una banda completamente definida. Suena británico, suena mexicano y suena único. Simplemente, una de las razones por las cuales Noiselab sigue vivo en nuestro pirata y popero país.

The Early November – The Mother, The Mechanic, And The Path

Curiosamente, el disco que definiría la explosión artística de una de las bandas referentes del emo sería su segundo disco. Tras este disco, también, The Early November se desbandó y nos quitó el plato a medio filete. Un disco concepto triple sería la sorpresa que nos llevaríamos los fanáticos tras el excelente The Room’s Too Cold (2003), durante el cual la historia narrada es excepcional. El tercer disco (The Path) funge como una suerte de audiolibro en el que se cuenta una historia trágica, triste y desoladora. Los otros dos discos sirven para definir personajes: The Mother incluye muchas canciones acústicas y radio-friendly y The Mechanic es un disco tenso, pesado y rockero. En total, es un estudio meticuloso e introspectivo acerca de las capacidades de Ace Enders como artista y la banda como un todo. Desafortunadamente, esto trajo peleas, desesperación y desacuerdos entre los miembros de la banda. Así de bueno es.

Moneen – The Red Tree

Esta banda canadiense de indie rock llegó como estruendo a mi colección con este disco, su tercera producción de estudio. The Red Tree es una obra artística que impacta por su melodía y la bipolaridad de sonidos entre rock puro y pasajes melancólicos y tenues. Puede sonar mucho como su disco emo de cabecera, pero la realidad es que no lo es. Con canciones que referencian desde el muro de Berlín hasta a John Locke, se convierte en un álbum divertido e interesante al escuchar y también al analizar, con muchos “huevos de Pascua” por encontrar. Los títulos abismalmente largos también juegan un papel determinante en la percepción de cada canción y no deben ser dejados de lado. La realidad es que muchas veces el sonido engaña y casos sobran. Moneen es uno de esos casos que no refieren a un adolescente dolido sino a un adulto joven letrado y educado. Un disco muy recomendable. Sus pasajes acústicos son imperdibles.

Saosin – Saosin

Saosin es el proyecto más popular del gran Anthony Green (Circa Survive) y este disco fue el que los llevó alrededor del mundo, aunque para el 2006 Green ya había dejado la banda. Alcanzó el #22 en Billboard y su sencillo You’re Not Alone tuvo gran rotación en las estaciones de rock alternativo. La crítica fue un tanto injusta con éste álbum y me parece que lo juzgaron muy a la ligera. Subsecuentes escuchadas develan una banda seria, madura y lista para devorarse el mundo. La realidad es que es un disco sólido, preciso y sónicamente profundo. Melodías alarmantemente pegajosas de inicio a fin y unos arreglos que sólo pueden venir de una banda que se animó a trabajar con el propio Green desde un principio. Arriesgados, poco convencionales pero sobre todo originales. A primera vista puede no parecer así, pero tras escucharlo durante años, créanme, lo son.

Matchbook Romance – Voices

Muchos criticaron a Matchbook Romance por copiar los estilos de moda a la hora de lanzar un disco. Será el sereno, pero la realidad es que Voices es uno de los mejores discos que dio la década que en unos días termina. Tras el debut pop punk de Stories And Alibis (2003), Matchbook Romance regresó con Voices, un disco sorprendentemente oscuro y personal. El estilo es muy similar al Absolution de Muse combinado con mucho de su propia cosecha, logrando un disco brillante a pesar de su oscuridad. Los acordes disonantes, puentes épicos y riffs generales lo destacan como un disco único y no una copia, como muchos criticaron. Tras este disco, Matchbook Romance se desbandaría sólo para regresar unos años después (hace poco). Es por eso que vuelven a estar en mi lista de bandas que tengo que ver antes de morir. Así de simple.

También de este año:

Finde – Buscando Ángeles
División Minúsucla – Defecto Perfecto
Underøath – Define The Great Line
Brand New – The Devil And God Are Raging Inside Me
Band Of Horses – Everything All The Time
Beirut – The Gulag Orkestar
Isis – In The Absence Of Truth
Taking Back Sunday – Louder Now
Men, Women & Children – Men, Women & Children
Mute Math – Mute Math
Pearl Jam – Pearl Jam
Cold War Kids – Robbers & Cowards
Jet – Shine On
The Eternal – Sleep Of Reason
…And You Will Know Us By The Trail Of Dead – So Divided
The New Amsterdams – Story Like A Scar
Quietdrive – When All That’s Left Is You
We Are Scientists – With Love And Squalor
Jeremy Enigk – River To Sea
Tool – 10,000 Days
Damien Rice – 9

Los 100 Discos Olvidados De La Década 6.0

NOTA: Esta lista está compuesta por 10 discos que considero esenciales durante el año en cuestión, algo que no puede faltar en el ropero del melómano. Se trata de discos que no han sido incluidos en la mayoría de las listas “profesionales” (y a los cuales me referiré como “elecciones obvias”) pero que siguen siendo excelentes y totalmente recomendables.

¡Una anomalía! Este año me encontré con muchísimos grandes discos, así que la larga lista de “CASI logran la lista” es porque mi regla no me permite poner más de 10 por año, pero tengan por seguro que TODOS valen la pena. Voy a dejar la lista sin depurar, para que se den una idea del problema que fue elegir tan solo a 10.

2005

The Starting Line – Based On A True Story

Based On A True Story es, sin duda, el álbum que definió la madurez de una banda que vivió su vida joven cantando pop punk (y ni siquiera espectacularmente, resulta). También resulta que este álbum no es realmente espectacular en cuanto a que tus oídos explotan en cuando pones play. Pero tiene algo que me mueve muchísimo, no sé si las letras, no sé si los puentes instrumentales o si tal vez sea el conjunto de canciones en un disco que perfectamente podría catalogarse de emo, pero que explica sensaciones demasiado familiares en todos nosotros. Y no sólo las explica, las hace renacer. Es algo muy especial que tal vez no sé describir, pero por algo le ganó a toda la bola de discos excelentes de este año.

Dredg – Catch Without Arms

Estos californianos llegaron tras el éxito de El Cielo con su tercer material de estudio, Catch Without Arms. Difícil de definir, generalmente caen en el clásico rock alternativo, género igual de ambiguo que el indie. No explica nada. Lo que sí puedo decirles con certeza es que este disco, una obra de arte complementada con 14 pinturas abstractas de la colección Catch Without Arms, es absolutamente adictivo. Está hecho a base de opuestos y bajo ese tenor se maneja, así que se requiere más de una escuchada para entenderlo. Esto no quiere decir para nada que sea un disco difícil al oído (bastante al contrario), la voz de Gavin Hayes de alguna manera encaja perfecto con el mood de las canciones. No me queda duda de que este disco es de lo mejor que se publicó este año.

Kent – Du & Jag Döden

Estos suecos originarios de Ekilstuna son probablemente el mejor invento sueco desde Abba (¬¬). El título significa literalmente “Tu y yo, muerte“, un título apropiado para el contenido del disco. Música sombría, melancólica y una suerte de “sigur-rós-ismo” al no poder entender las canciones. No obstante, es un sutil pero extremadamente fino rock suave, muy al estilo del Zitilites de Kashmir o Radiohead. Poco hay que escuchar del disco para caer absolutamente rendido en sus brazos; pocas veces nos encontramos cara a cara con música tan fina. Al principio podría parecer sorpresa ya que la portada inspiraría más un tributo a las artes de Tool que una rendición a Radiohead, pero en consecuentes escuchadas el elemento sorpresa desaparece y se puede definir que, en efecto, no fue azar: los escandinavos están locos.

Mae – The Everglow

Uno de los álbumes concepto más sorpresivos que he escuchado. Y sorpresivos en el sentido en que de Mae, con su ñoño pop, nunca lo hubiéramos esperado. Pero también es sorpresivo porque es un álbum concepto diferente: está hecho como un audio-libro de aquellos que escuchábamos en las clases de inglés de la primaria. Una regresión distinta, no a momentos de pasión y locura, sino a aquellos de inocencia y juego naïve, cuando todo era más o menos perfecto. El arte del libro es simplemente supremo en cuanto al acompañamiento y el toque “extra” que esperaríamos de un álbum concepto. Las ilustraciones (no las voy a explicar que ya todos las tenemos en la cabeza) acompañan a cada una de las canciones. Pero no es un disco para niños, no. Es un disco complejo, que lucha contra las trabas de convertirse en adulto y lo que ello conlleva. Generalmente hablando, y como es Mae, esto se refleja principalmente en desaires amorosos, pero no únicamente. Además, la música en general es una joyita.

Coheed & Cambria – Good Apollo, I’m Burning Star IV, Volume One: From Fear Through The Eyes Of Madness

El más grande álbum de la más grande banda que además de hacer música, tiene un cómic para acompañar su arte. Si, Claudio Sánchez es, además de un dotado guitarrista, un artista completo que tiene esa inherente necesidad de contar una historia. Rock progresivo de la más alta calidad, una historia complejísima que no me voy a molestar en intentar explicar en un párrafo y un cómic con arte excepcional son lo que nos ofrece esta banda. Musicalmente hablando, Good Apollo… es su mejor logro. Una muestra de la madurez adquirida tanto por los músicos como por los personajes que forman parte de la historia central. No creo que pueda explicarlo bien. Creo que lo único que puedo recomendar es ir a las tiendas, comprarlo (el arte lo vale), y sumergirse en este ficticio mundo creado por Claudio Sánchez para nuestro deleite. No hay más, es uno de los mejores discos que jamás he escuchado.

Circa Survive – Juturna

Circa Survive es mi proyecto favorito del genio loco Anthony Green, que ha tenido más proyectos que nadie en el planeta (sí, es un decir). Lo que me enamora de Circa Survive, primero (y como guitarrista) son los agonizantes y explosivos riffs de guitarra que corren a lo largo de la canción. No hay un solo rasgueo en la guitarra líder. En TODO el disco. Así de alucinante es. Segundo: Anthony Green, como lo dije antes, es uno de los grandes genios incomprendidos de la música. Tiene grandes proyectos que van desde el multilaureado Saosin hasta su proyecto solista (titulado simplemente Anthony Green), pasando por el proyecto más extraño de todos (The Sound Of Animals Fighting) y éste, a mi gusto, su proyecto más introspectivo, profundo y personal. No deja de ser una banda experimental y la voz andrógina de Green la hace aún más extraña, pero en definitiva se trata de música hermosa, perfectamente armada y pensada, que encuentra un lugar en donde se le busque. Uno de mis discos favoritos de todos los tiempos.

Acceptance – Phantoms

Tal vez las bandas desaparecidas me causan mayor empatía cuando se trata de destacar sus discos ante los demás. Tal es el caso de Acceptance, una banda de Seattle cuyo álbum debut, Phantoms, también significó su despedida. El único disco que sacaron, pero por algo este cuarteto es de los más reconocidos en el bajo mundillo del pop punk (aunque para mí este disco tiene todo menos eso. Es rock puro). Muchos expertos desestiman de inmediato a las bandas que tienen un sonido como éste y creen que son una bola de adolescentes con dinero de sobra que compraron instrumentos y cantan de todo menos de lo que deberían. Algunas veces ese es el caso (y pasa en todos los géneros), pero muchas no, y ésta es una de ellas. Phantoms, desde su portada, deja entrever una seriedad que no está condicionada por el sonido de su música y que, al contrario, es complementada por la profundidad de ciertos pasajes de éste. Acceptance tuvo su oportunidad y la dejó ir, pero no sin antes dejarnos una muestra de que la maestría musical puede venir de cualquier lado y, así de fácil, desaparecer. Una pena.

Bullet For My Valentine – The Poison

The Poison es quizá el mejor disco de metal que he escuchado esta década (está difícil, pero compite) y es que estos galeses llegaron con un estruendo a las listas británicas y de inmediato se convirtieron en una de las bandas consentidas de la Reina. No es en vano. Su sonido explosivo, a veces descuidado y a veces prodigioso los hace ver como unos jóvenes que decidieron que el metal no estaba muerto. Mucha razón tenían. De inmediato, casi, dominaron las listas rockeras del país de la rosa. Dieron en el clavo con su combinación de riffs poderosos, coros fáciles y pegajosos y puentes escalofriantes. Aunado con un ritmo veloz y un talento envidiable, poco o nada podía salir mal. Son ahora una de las bandas más reconocidas del metal. En gran parte fue simplemente por este, su disco debut. Advertencia: hay gritos, pero si los logran esconder entonces resaltarán los grandes versos musicales que hay a lo largo y ancho de este disco.

Steel Train – Twilight Tales From The Prairies Of The Sun

Un grupo relativamente desconocido que, firmado por una disquera punk rock (Drive-Thru Records), ha alejado a muchos escuchas que ignorantemente lo han dejado pasar. La realidad es que Steel Train es una enorme banda de folk rock al más puro estilo de My Morning Jacket, combinado con cierto dejo de rock sureño más propio de Jethro Tull y Lynyrd Skynyrd. Es una grandísima banda cuyo disco debut es enorme y no debe ser omitido. Pocos conocen a la banda, dejemos de lado al disco, pero es uno de los grandes secretos guardados en el baúl del nuevo rock. Esperemos que aprovechen su talento y nos traigan algo refrescante al mainstream en su tercer intento, en el cual trabajan. Realmente vale la pena.

Armor For Sleep – What To Do When You Are Dead

Otra banda extinta hace poquísimo pero cuyo disco debut es una mágica sorpresa inesperada. Se trata de un álbum concepto cuyas canciones cuentan una historia que forma parte de otra historia mayor. Cuenta la historia de un sujeto que, tras aparentes desacuerdos con su alma gemela decide suicidarse conduciendo su auto hacia un cuerpo de agua, así ahogándose. El grueso del disco intenta explicar las batallas y los viajes que debe hacer en el más allá. Durante este viaje, pensamientos introspectivos acerca de su vida se van apoderando de él y mientras visita lugares significativos en su vida, ahora como fantasma, va pasando por las 5 famosas etapas del lamento: negación, ira, negociación, depresión y resignación. Sabiendo esto, el viaje musical es simplemente espectacular, con momentos tensos, explosivos y poderosos y otros melancólicos, tristes y quietos. Definitivamente una obra de arte que muchos pasaron por alto y a la que pocos pusimos atención. Sugiero que estos pocos aumentemos en número. Escúchenlo.

CASI logran la lista (todos valen la pena, la verdad):

God Is An Astronaut – All Is Violent, All Is Bright
Paramore – All We Know Is Falling
The National – Alligator
The Academy Is… – Almost Here
Mew – And The Glass Handed Kites
30 Seconds To Mars – A Beautiful Lie
The Receiving End Of Sirens – Between The Heart And The Synapse
BEDlight For BlueEYES – The Dawn
The Juliana Theory – Deadbeat Sweetheartbeat
Silverstein – Discovering The Waterfront
Porter – Donde Los Ponys Pastan
Belanova – Dulce Beat
Jack’s Mannequin – Everything In Transit
Panic! At The Disco – A Fever You Can’t Sweat Out
Flyleaf – Flyleaf
The Bled – Found In The Flood
Fall Out Boy – From Under The Cork Tree
Blindside – The Great Depression
Funeral For A Friend – Hours
June – If You Speak Any Faster
The Itis – The Itis
Black Label Society – Mafia
Minus The Bear – Menos El Oso
Kubb – Mother
Daphne Loves Derby – On The Strength Of All Convicted
Gym Class Heroes – The Papercut Chronicles
Death Cab For Cutie – Plans
Emery – The Question
Eisley – Room Noises
Sherwood – Sing, But Keep Going
City And Colour – Sometimes
Lydia – This December, It’s One More And I’m Free
John Mayer Trio – Try! John Mayer Trio Live In Concert
Thrice – Vheissu
…And You Will Know Us By The Trail Of Dead – Worlds Apart

Los 100 Discos Olvidados de la Década 5.0

NOTA: Esta lista está compuesta por 10 discos que considero esenciales durante el año en cuestión, algo que no puede faltar en el ropero del melómano. Se trata de discos que no han sido incluidos en la mayoría de las listas “profesionales” (y a los cuales me referiré como “elecciones obvias”) pero que siguen siendo excelentes y totalmente recomendables.

2004

The Honorary Title – Anything Else But The Truth

Una excelente banda que por diferencias artísticas ya no es más. Tuve la fortuna de verlos en vivo en el 2006, en el tour de este disco. En ese entonces no los conocía (era un festival), pero inmediatamente me enamoré. Este disco tiene una capacidad lírica impresionante, una angustia vocal contagiosa y en concreto es un disco simple pero que no se debe dejar pasar por nada del mundo. Un disco debut de una banda muy desconocida, pero no por eso deja de ser uno de los mejores discos de este año, de principio a fin. Guitarras acústicas, la voz y letra de un tipo talentosísimo y los arreglos de un multiinstrumentalista brillante. Habrá que esperar que al menos Jarrod Gorbel siga haciendo música, porque lo hace muy bien.

Thermo – Arde En Mi

Una de las bandas más importantes de la escena independiente de nuestro país, Thermo debuta después de muchos años de lucha con Arde En Mi, un disco poderoso, emocional y bipolar. Desde tracks dulces hasta otros explosivos, este disco es uno de los mejores que han salido en la escena rockera de México en los últimos diez años. Advierto que es un disco difícil que debe escucharse con paciencia y probablemente más de una vez, pero que estoy seguro es un disco obligado en cualquier colección de un rockero mexicano. Desafortunadamente, parece debut y despedida, ya que su siguiente disco dejó mucho que desear y actualmente están un poco desaparecidos de la escena nacional.

Atreyu – The Curse

Cuando descubrí este disco, mi amor por el hardcore renació. No era una banda hardcore como las que encontrábamos en estos años, que era o demasiado ruidoso o demasiado adolescente. De hecho, los riffs metaleros en los versos se combinan con progresiones sencillas en los coros, obligando a la voz a cambiar, logrando pasajes melódicos increíbles. Muchas de estas características los han llevado a telonear para bandas tan grandes como Iron Maiden o Metallica. Es un disco absolutamente pesado pero que de repente se vuelve muy fácil de escuchar cuando uno omite los gritos y se adentra en los riffs, la batería, y la letra. Un gran disco. Como dato extra, hay una versión instrumental del disco en la tienda de iTunes.

DeVotchKa – How It Ends

Una de las bandas más extrañas de la escena indie, DeVotchKa fusiona elementos musicales de diferentes raíces, desde mariachi hasta música gitana del este de Europa. How It Ends explotó años después tras la inclusión del track How It Ends en una serie de promos para Gears Of War 2 (un videojuego que tuvo un enorme éxito). Con tracks temáticos y extraños, estos estadounidenses logran ciertas atmósferas sonoras muy pictóricas, algo difícil de describir, pero que seguramente todos entenderán cuando le den una escuchada a este disco. Instrumentación extraña fusionada con la normal hacen de este disco una joya que estuvo mucho tiempo guardada antes de explotar.

As Tall As Lions – Lafcadio

Estos oriundos de Long Island sacaron éste, su disco debut, tras mudarse a Chicago. Esta experiencia representaría para ellos un cambio radical por las penurias que pasaron en ese tiempo, lo que hace del resultado sonoro algo muy interesante. Tras batallar con dinero y mezclas finales, As Tall As Lions logró debutar con un disco con puentes melancólicos, letras de amor y decepción y un sonido muy bien logrado, de esos que logran llenar el cuarto de un éter singular. También recomiendo seguir su trabajo más extensamente. Un disco de indie rock que nadie debe perderse, a mi gusto. Otra banda desconocida, pero ya vimos que eso no tiene nada que ver.

Mastodon – Leviathan

Aunque Crack The Skye es la elección obvia (fue elegido por muchos medios como uno de los mejores discos del 2009), Leviathan no se queda atrás en cuanto a calidad y es que, antes de Crack The Skye, estos estadounidenses ya habían ganado un momentum enorme tras el lanzamiento de este disco. Un disco basado en la novela de Herman Melville Moby Dick, ha logrado calificaciones perfectas en algunos medios especializados. Mastodon es, sin duda, la banda revelación de la década en el metal, y se han consagrado a tal nivel que muchos (incluyéndome) los catalogan como la mejor banda en activo de metal. No es un speed metal como Dragonforce, ni un thrash como el Metallica que todos amamos, es un tipo de metal distinto. Un metal del siglo 21, pero que indudablemente tiene toda la calidad necesaria para llevarse las palmas de incluso los más grandes. Quien no los conozca, debe hacerlo antes de que termine esta década. No se van a arrepentir. Leviathan es su segundo mejor disco, pero sigue siendo uno de los mejores de la década.

Kings Of Convenience – Riot On An Empty Street

Este dúo noruego compuesto por Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe lanzó su tercer álbum de estudio, Riot On An Empty Street, que de inmediato tuvo un impacto positivo en la escena indie pop del mundo. Ya antes habían incursionado en el terreno engañoso de las listas de popularidad en muchos sitios del mundo, pero es con este disco con el que confirman un secreto a voces: los nórdicos están locos. Y lo digo en buena onda. Desde Dinamarca hasta Finlandia hemos escuchado grandísimas bandas de todos los géneros e inevitablemente hace preguntar qué diablos tienen estos tipos para que su música sea tan brillante. A veces suena a Simon & Garfunkel, tienen un par de tracks con la dulce voz de Leslie Feist y en resumen es un disco imperdible.

Brandtson – Send Us A Signal

Esta banda indie de Ohio ya desapareció, pero entre su legado nos dejó este gran disco, un trabajo introspectivo, tierno, y musicalmente brillante. Muchos los catalogan como emo por su descarada influencia de películas de Wes Anderson (Rushmore y Bottle Rocket), características del género, su disquera (Deep Elm y The Militia Group, epítomes del emo y el punk, respectivamente). Sin embargo, yo encuentro que es un indie rock muy bien logrado, con tintes de crisis emocionales pero que no llegan al lloriqueo. Tal vez es igual de emo que un disco de Jimmy Eat World o Bright Eyes, así que realmente… no es un disco emo. Tracks como Mexico, Mercy Medical, C’mon Fascista y The Bottle And The Sea son ejemplos perfectos de la capacidad melódica y armónica de estos tipos que, desafortunadamente y como mucha de la buena música, dejaron de ser tras lanzar un disco posterior. Se les extraña.

The Music – Welcome To The North

Estos británicos tienen una mezcla interesantísima de guitarras a la Jane’s Addiction,batería dance muy parecida a… bueno, nada, realmente, y la voz andrógina de Robert Harvey que rápidamente invade el tímpano, pero que no molesta en lo absoluto. Welcome To The North es su segundo disco, y aunque la elección obvia es su debut (The Music, 2002), este disco presenta un lado un poco menos oscuro de la banda, un poco más fiestero y sobre todo, el mismo sonido de siempre. Las guitarras siempre me han sorprendido (un poco al nivel de las de Circa Survive) ya que los versos constan simplemente de riffs brillantes, contrario al común popular. Un disco que irradia funk, fiesta y rock and roll. Es un esencial en la colección de cualquiera.

Taking Back Sunday – Where You Want To Be

Taking Back Sunday es una de las bandas más referidas en la escena post-Nueva Jersey y no es difícil ver por qué. Tras un debut über emo (Tell All Your Friends, 2002), Taking Back Sunday regresó con un disco muchísimo más maduro en su sonido, menos patético en su letra y sumamente poderoso al momento de subir el volumen. Debutando en el #3 de las listas de Billboard, este disco rápidamente se convirtió en disco de oro. Por eso, obviaremos su trascendencia y lo daremos por sentado. En vez de eso, hay que fijarse en la prudente colocación de espacios angustiosos adolescentes y su combinación con pasajes puramente rockeros. Hay que recordar que seguían bajo el yugo de la escena emo que los perseguía a donde fueran, pero también hay que reconocerles que inmediatamente después del Tell All Your Friends decidieron escapar de ella. Poco a poco lo lograrían. Es un disco que considero esencial para cualquier fanático de la escena (y es un buen disco musicalmente para los que no lo son). Cabe destacar que este disco les consiguió un deal con una disquera grande, con la que sacarían en 2006 una elección obvia, Louder Now.

CASI logran la lista:

Pedro The Lion – Achilles Heel

Jimmy Eat World – Futures

Straylight Run – Straylight Run

My Chemical Romance – Three Cheers For Sweet Revenge

Emery – The Weak’s End

Los 100 Discos Olvidados de la Década 4.0

NOTA: Esta lista está compuesta por 10 discos que considero esenciales durante el año en cuestión, algo que no puede faltar en el ropero del melómano. Se trata de discos que no han sido incluidos en la mayoría de las listas “profesionales” (y a los cuales me referiré como “elecciones obvias”) pero que siguen siendo excelentes y totalmente recomendables.

2003

Funeral For A Friend – Casually Dressed And Deep In Conversation

Otro álbum debut que vale la pena destacar porque cayó como bomba con sus riffs metaleros, puentes épicos y un sonido general de melancolía y olvido. Este disco haría que Funeral For A Friend se consagrara como una de las bandas consentidas del Reino Unido (y de la revista Kerrang!). La producción de Colin Richardson hace que este disco suene sólido, concreto y que las canciones tengan ese particular sentido de profundidad espacial. Sin duda es el mejor disco de la banda, un consentido de la escena post-hardcore y definitivamente se trata de unos músicos muy dotados y que tienen muy clara la definición de melodía. Un must.

Brand New – Deja Entendu

Brand New, tras un insípido y parco debut (el forzadísimo pop-punk de Your Favorite Weapon [2001]), regresó con cambios de 180 grados en Deja Entendu. La introductoria Tautou (dedicada a Amélie, AKA Audrey Tautou) se va descomponiendo en una decadencia mortificante para dar par a la compleja Sic Transit Gloria (Marc Webb hizo un excelente video de ella). A partir de allí Deja Entendu no baja jamás hasta el outro acústico Play Crack The Sky. Jesse Lacey se presenta como uno de los liricistas con mayor potencial en la música de nuestros tiempos, con letras introspectivas, desafiantes y misteriosas. Definitivamente les funcionó salir del pop punk que intentaban y entrar a un muy característico rock desmoronado, destructivo y energético. Es tan interesante y analizable (y analizador) que vale la pena cualquier cantidad de escuchadas. Uno de mis discos favoritos de todos los tiempos. Imperdibles las letras y la progresión evolutiva de la música.

Architecture In Helsinki – Fingers Crossed

Fingers Crossed marca el debut de estos australianos que rápidamente se colocaron en la crème de las bandas indie de la época. Este disco suave, tierno y en general bonito que no abusa de los sintetizadores ni de la voz en falsetto que lo caracteríza. Mucha instrumentación poco convencional hace de este disco una bonita joya del indie pop y que en definitiva es un imperdible. Tal vez este disco sea una elección obvia y aparezca en otras listas, pero también tal vez no, así que lo incluimos en este recuento. Un esencial para un domingo en la mañana.

Alkaline Trio – Good Mourning

El mejor disco de estos americanos es sin dude Good Mourning, donde convergen varios de los elementos que los han hecho referentes en el punk rock moderno. A pesar de muchas veces ser catalogados como pop-punk, estos tipos son oscuros, cantan de muerte y tortura y tienen cierto tinte de humor negro que nunca se alcanza a distinguir si realmente es humor o psicosis. Lo que diferencia a este disco con los demás es su producción, los riffs de guitarra tensos y perfectos y las letras de uno de los genios más oscuros del punk rock, Matt Skiba. Un sonido definido, sólido y maduro, que de pop no tiene nada y de punk todo. El disco referente de una de las bandas más populares y exitosas del género.

The Juliana Theory – Love

Este disco es de una banda relativamente desconocida pero que sin duda aportó su granito a la escena underground estadounidense principalmente con este disco, el mejor que publicaron. Un rock puro, crudo y a la manera de la época de la psicodelia sesenta-setentera, Love sin duda es un disco enorme de principio a fin. Es un disco personal, a ratos explosivo, a ratos melancólico, a ratos simplemente brillante. Es una lástima que tras este disco la banda haya perdido su contrato discográfico por problemas con la disquera y que posteriormente no supieran manejarse a sí mismos con Deadbeat Sweetheartbeat (2005), el último de la banda, ya que esta serie de problemas derivarían en su separación por  problemas financieros y de costeo. Es una absoluta lástima viendo lo que podían lograr.

Story Of The Year – Page Avenue

El debut y el clímax definitivo de esta banda que a partir del gran éxito que tuvo este disco en las esferas post-hardcore se fue desvaneciendo lentamente hasta desaparecer. Fue publicado bajo el sello Maverick, propiedad de Madonna, que también publicó a Deftones, Candlebox, Goldfinger, Jack’s Mannequin y a muchos otros artistas cuidadosamente elegidos. Esto significa una cuidadosa producción, una visión a futuro del material en bruto y una adecuada estrategia mercadotécnica. Todo esto no se le invierte a una banda de a gratis; Page Avenue sin duda es uno de los mejores trabajos de la escena en la década, un referente obligado para todas las bandas posteriores del género y que también significaría el declive de la banda al ser incapaces de superar tales éxitos y expectativas. Así pasa.

The Darkness – Permission To Land

Estos británicos llegaron con pantalones ajustados, spray y brillantina a las estaciones de radio de todo el mundo con el inesperado éxito de I Believe In A Thing Called Love. Con looks glam, riffs ochenteros y solos de guitarra épicos acompañando un perpetuo falsetto The Darkness se fue rápidamente convirtiendo en un consentido de la afición británica y posteriormente alrededor del mundo. Se especula mucho del doble sentido en las letras de sus canciones y, de ser cierto, además de las capacidades musicales de todos los miembros habría que también destacar el humor que le incluyen a su música. Una banda divertida y musicalmente brillante demuestra que estas dos cualidades no son mutuamente excluyentes.

The Ataris – So Long, Astoria

Este disco marcaría la madurez de una de las bandas de pop-punk más relevantes de todos los tiempos. Sería también el último disco en el que estarían la mayoría de los miembros fundadores de la banda. Es debatible (dependiendo a quién se le pregunte) si este disco es el mejor, el peor, o siquiera bueno en la lista de publicaciones de los Ataris por la diferencia en el sonido a comparación con sus otros discos, pero lo que es innegable es que este fue el disco que les dio cierta rotación en el mainstream, cosa que no habían logrado durante los 10 años anteriores. Fue el último intento de una de las bandas más grandes del pop-punk de unírsele a la flotilla de grupos del género que surgieron en esa época exitosamente en el mainstream. Desafortunadamente, peleas con la disquera, diferencias entre los mismos miembros y la explosiva creatividad de Kris Roe obligarían a la banda a olvidar el momentum y finalmente verse desmoronada mientras sus más jóvenes rivales ascendían. No deja de ser un disco clave en la historia y el rumbo del género.

Death Cab For Cutie – Transatlanticism

Se hicieron famosos por su aparición en la serie The OC y porque Seth Cohen era un irremediable fanático de Ben Gibbard y sus secuaces. Esto les consiguió una aparición en el show y un boom inmediato que obligó a Gibbard a olvidarse por un tiempo de su otro proyecto, The Postal Service, cuyo álbum Give Up (una elección obvia, me gustaría pensar) también vio la luz en este año. Es, en definitiva, el trabajo más completo de la banda, de principio a fin es un disco preciso, cuidado y meticulosamente analizado (Gibbard es un perfeccionista, al fin y al cabo). Pasajes que parecieran interminables en las manos equivocadas se vuelven espacios épicos y parte de una historia sonora cuyo principio y final se vuelve preciso escuchar. El disco que los convertiría en una de las bandas más importantes en surgir en esta década. No puede faltar.

Thursday – War All The Time

War All The Time es el disco debut de Thursday con una disquera grande, aunque es su tercer disco de estudio. El título (y temática del disco) es sacado de un poema de Bukowski, así que ya se imaginan en qué dirección enfila esto. Geoff Rickly tiene una de las voces más reconocibles en la escena y, siendo producido por Sal Villanueva (Tell All Your Friends de Taking Back Sunday, The Meaning In Makeup de My American Heart), quien es el productor de cabecera de la banda, pocas cosas podían salir mal. Es un disco personal, que habla de la lucha diaria (ese tipo de guerra), lleno de angustia y desesperación. Thursday y su disquera Island hicieron un muy buen trabajo llevando a este disco al #7 del Billboard Top 200. Música que batalla entre polos, la ira y la pasión al mismo tiempo, es un disco complejo pero altamente recomendable.

CASI logran la lista:

Switchfoot – The Beautiful Letdown
Café Tacvba – Cuatro Caminos
Deftones – Deftones
Mew – Frengers
Thrice – The Artist In The Ambulance

Los 100 Discos Olvidados De La Década 3.0

NOTA: Esta lista está compuesta por 10 discos que considero esenciales durante el año en cuestión, algo que no puede faltar en el ropero del melómano. Se trata de discos que no han sido incluidos en la mayoría de las listas “profesionales” (y a los cuales me referiré como “elecciones obvias”) pero que siguen siendo excelentes y totalmente recomendables.

Seguimos con la lista de los 100 discos olvidados de la década y hoy toca el turno al 2002, un año simétrico, equilibrado y parejo (en todo menos en la eliminación de México de Corea/Japón). Personalmente fue un año difícil, con muchos ciclos que cerrar, mucha gente que dejar atrás y cosas nuevas por delante, con nuevos ciclos misteriosos y desconocidos. La música, una vez más, fue la salvadora. Aquí lo mejor del año.

2002

Injected – Burn It Black

El único disco que ha sacado la banda a la fecha, Burn It Black es una expresión pura del rock americano, con riffs de guitarra pensados, una batería que impone y una línea de bajo que llena el cuarto. La voz es incluso opacada por el sonido procedente de los otros instrumentos. Este disco llenó de potencial a una banda que, 7 años después, sigue trabajando en su siguiente material. No es extraño viendo que han sacado un disco en 14 años de existencia, aunque sí es lamentable dada la calidad con la que incursionaron en las listas estadounidenses, quedando como una de las bandas nuevas con más potencial del año. Rock simple, puro y llano. No es un disco excepcional, pero vale la pena una escuchada.

Norah Jones – Come Away With Me

A pesar de figurar en muchas listas de “discos del año”, presiento que lo dejarán fuera en las listas de “discos de la década” por el impacto del brit-pop de la segunda mitad de la década. Y es una lástima porque este disco fue el que explotó a una de las mentes musicales más dotadas de la música pop. Hija de Ravi Shankar (tutor hindú durante el retiro psicodélico de George Harrison), adoptó el gusto por la buena música y prueba de ello es esa exitosa combinación entre pop y jazz que presenta en su debut. Aunque muchas de sus canciones más populares están incluidas en otros álbumes, este disco como un todo es paralizante. Es ponerle pausa al día durante una hora y quedar inmerso en el hipnótico sonido de sus composiciones.

Silverchair – Diorama

Diorama es el cuarto disco de Silverchair, y llegó después del masivo éxito de Neon Ballroom, de 1999. Daniel Johns siempre me ha parecido un genio musical un poco incomprendido (sobre todo por su trabajo en Neon Ballroom), experimentando con afinaciones, sonidos y melodías, además de ser un soberbio liricista, introspectivo y profundo. Diorama no le llega a los talones a Neon Ballroom, el cenit de Silverchair, pero no deja de ser un excelente disco que destaca. Pasajes de lo más mágicos encontramos en cada una de las canciones, gracias al genio creativo de Johns (que para terminar de caerme bien se casó con Natalie Imbruglia. Nada más).

Porcupine Tree – In Absentia

Aunque es el séptimo disco de estudio de estos prog-rockeros, es su debut en una disquera grande, y como resultado el sonido es excepcional. Una banda que ya tiene 6 discos previos y que finalmente tiene dinero para producir uno al máximo nivel no puede fallar. Este disco es absolutamente excepcional de principio a fin, una de las joyas del rock progresivo al estilo original de los setentas y ochentas, pero con tecnología del 2002. Apuesto lo que quieran a que los amantes del buen rock pondrán play y no podrán detenerse hasta que el disco haya terminado. Así de bueno es. Un disco complejo, pesado y oscuro que no pueden dejar pasar.

Kinky – Kinky

Este disco cayó por sorpresa en el mercado mexicano, desbalanceando a las esferas de la “música consagrada” de nuestro país con ideas frescas, un sonido joven y novedoso y una inventiva y creatividad fuera de lo normal. Estos 5 regios que por cuestiones de derechos tuvieron que emigrar a los EE.UU., debutaron en 2002 con probablemente el disco comercial con más funk y más onda que se ha editado en nuestro país. Canciones como Cornman, Más y Ejercicio #16 se han vuelto obligadas en las fiestas mexicanas desde entonces. Su aparición me recuerda al súbito estruendo que causaron Los Amigos Invisibles en Latinoamérica. Es un disco que no puede faltar en la biblioteca de cualquier amante de la fiesta.

Avril Lavigne – Let Go

Muy poca gente esperaría ver este disco aquí, pero la realidad es que la Avril debutante, la guapa , tímida y aun-no-amiga-de-Paris-Hilton canadiense tuvo un primer disco maravilloso, lleno de canciones escritas por ella misma que inmediatamente la colocaron como una bomba comercial que las grandes disqueras, nada tontas, no tardaron en aprovechar. Sus siguientes discos tendrían una mancha marca MTV que opacaría cualquier credibilidad, pero este disco que conocí vía Much Music Canadá realmente tiene muy buenas canciones. Si no me creen, denle una oportunidad y piensen que todas esas maravillas las escribió una chica de 17 años, no un gurú del pop contratado por la disquera. Además, estoy seguro que muchas listas lo omitieron aunque secretamente lo siguen teniendo en su archivo.

The Get Up Kids – On A Wire

Muy criticados tras el éxito de Something To Write Home About, On A Wire es el disco donde los Get Up Kids cambian radicalmente el curso hacia un sonido menos visceral y más maduro. On A Wire fue una apuesta que les hizo perder fans que, acostumbrados a la visceralidad de su sonido anterior, tenían que conformarse con una madurez adulta que les era poco familiar (y me incluyo) porque su público seguía siendo un público adolescente. Aunque comercialmente no fue muy exitoso por lo mismo, recibió buenas críticas de los “profesionales” y en general se le vio como un avance, al punto de ser catalogado como lo mejor de la banda, a pesar de frenar la inercia que la banda había ganado con STWHA. Es un disco suave, complejo e introspectivo y excelente.

Foo Fighters – One By One

Una de las mentes más brillantes del rock mundial, Dave Grohl, y su banda  Foo Fighters lanzaron en el 2002 un disco difícil -como la mayoría de los discos de los Foo- pero que con el tiempo y las escuchadas iría creciendo poco a poco, haciéndose mejor cada vez. Siete años después, podemos calificarlo como el mejor disco de los Foo en la década y sin temor a equivocarnos lo podemos poner entre los 3 mejores discos de los Foo de todos los tiempos. A pesar de mi criterio, es el disco que menos le ha gustado a Dave Grohl, quien en entrevistas ha declarado que tiene “4 canciones buenas y 7 que nunca he vuelto a tocar”. Los Foo Fighters -y que alguien lo niegue- son una de las mayores bandas de rock que existen en nuestros días, y sin embargo, siguen sin tener ese estatus de divas imposibles, lo que los hace aun más admirados.

The Used – The Used

El disco debut de The Used es verdaderamente magnífico y marcó lo que sería una tendencia durante los siguientes 2 a 5 años (Story Of The Year, Senses Fail, My Chemical Romance, etcétera). Bert McCracken se ha vuelto una figura icónica en el mundo de la música emo gracias, en gran parte, a este álbum debut, que en realidad tiene cosas impresionantes en cuanto a instrumentación, melodía, control de matices y volúmenes y texturas generales. Además, es un disco genialmente producido, así que el sonido es perfecto. La construcción también es muy buena, con pasajes frenéticos y psicóticos como A Box Full Of Sharp Objects y baladas acústicas como On My Own y Blue And Yellow, pasando por las épicas melodías de Buried Myself Alive y la ira de Bulimic y Noise And Kisses, este es un disco completo y absolutamente recomendable.

Finch – What It Is To Burn

Uno de los discos más significativos del género, Finch logra un disco adolescentemente atractivo, con pasajes energéticos interesantes y sobre todo con una melódica pasión encontrada pocas veces antes. Un disco poderoso, con mucha vida y mucho potencial. Viéndolo en retrospectiva no es un disco variado y original, pero sí que fue un disco que cambió paradigmas y se volvió un esencial en los años que vendrían. Después de esto, los Finch intentarían otro approach, con el que fallarían, y parecería que este disco, de no ser por su trascendencia, se trataría de un one-album-wonder. La realidad es que, gracias a él, se volvieron una banda icónica y un referente. Es un gran disco por sí solo.

CASI logran la lista:

Biffy Clyro – Blackened Sky

Pedro The Lion – Control

Dredg – El Cielo

The Music – The Music

Mastodon – Remission

Jónsi

Es lunes de nueva música en Bolten Inc.

Antes que nada, una disculpa por la semana anterior (por si alguien extrañó su semanario musical). No posteé por causas de fuerza mayor, pero ya estamos de regreso.

Jón Þór Birgisson. Jónsi para los cuates.

Hoy no traigo música precisamente nueva, pero si el debut solista de Jónsi, mejor conocido como Jón Þór Birgisson (o viceversa), cantante, guitarrista y compositor de Sigur Rós. Como buen genio creativo, Jónsi ha terminado de grabar y producir su debut como solista, Go (aunque ya había publicado Riceboy Sleeps con Alex, su novio), una suerte de rompecabezas musical armado por piezas de Jónsi y por piezas y arreglos de Nico Muhly, un artista clásico que complementa los sonidos ambiente de la música de Jónsi.

Jónsi - Go (2010) (No es la portada)

Sólo la canción Boy Lilikoi ha sido lanzada como muestra de lo que trae el álbum y está disponible para descargar en el sitio oficial de Jónsi. Aunque está planeado para su lanzamiento el 22 de marzo del 2010 bajo el sello XL Recordings (quienes nada más tienen entre su roster a Radiohead), el track listing ya fue dado a conocer y, conociendo lo que es capaz de hacer este talento islandés, no puedo esperar. Además, basta escuchar el clip que les pongo a continuación. Es como un ejército acústico en plena invasión. Completamente épico.

Los 100 Discos Olvidados De La Década 2.0

Es turno de uno de los años más flojos musicalmente hablando, el 2001. Además de las elecciones obvias, no hubo mucho destacable, desafortunadamente. Un año de mucho pop-punk, mucho patriotismo y poca producción artística. Parece que los músicos parecían talibanes y no los dejaban hacer mucho. Es por eso que este año puede ser el de la lista más floja de todos.

2001

Jimmy Eat World – Bleed American

Bleed American es, sin duda, el disco más reconocido de una de las bandas más influyentes de nuestra época. Es el disco que los lanzó al estrellato, con sencillos como The Middle y Sweetness, y el que les consiguió un contrato discográfico a largo plazo con una disquera grande, que aún hoy siguen aprovechando. Pasajes melancólicos y dulces como Hear You Me y Cautioners y riffs explosivos como los de Bleed American se combinan para darle a este disco el respeto que merece. Eso sin mencionar que es uno de los discos más referidos por las bandas actuales. Es una gran pieza que debe estar en todas las repisas.

Ryan Adams – Gold

Gold tiene probablemente la canción más conocida de Adams, New York, New York, y aunque no es un disco particularmente popular, puede ser el mejor de este artista que baila entre los límites del country, el folk y el rock. Otras canciones conocidas son When The Stars Go Blue y The Rescue Blues y el disco cuenta con la ocasional participación de Adam Duritz, vocalista de Counting Crows. Aunque los premios son muy irrelevantes para esta lista, el disco recibió 3 nominaciones al Grammy. Lo realmente relevante de este disco es que presenta a un Ryan Adams maduro y listo para comerse el mundo. Un disco muy bueno y muy completo, recomendable y merecedor de estar en esta lista.

Tool – Lateralus

En cuanto a metal progresivo, pocos se le acercan a Tool. Sin duda, es una de las bandas más influyentes y subvaluadas de nuestros tiempos, de esas que quedaron en un underground perpetuo, pero que todo mundo conoce (no sé si me explico). Lateralus es su tercer disco, y acompañado de los visuales presentados en los videos para Schism, Parabola y Lateralus, uno puede entender la bizarrez del disco. Aun así, es uno de los discos mejor concebidos por los californianos y uno de los más reconocidos. Una referencia para cualquier banda metalera de hoy, y una obligación en el armario de cualquier melómano que se considere al menos un poco rockero.

Further Seems Forever – The Moon Is Down

Por más desconocido, este disco fue uno de los más influyentes en la escena indie estadounidense y marcó el debut musical de Chris Carrabba, quien después sería la mente maestra tras Dashboard Confessional. Contrario a lo que se pudiera esperar, es un disco rockero, aunque sí, melancólico. Mucha melodía, grandes pasajes de guitarra y de batería y un sonido indie que hoy ya no se escucha, con distorsión y momentos brillantes en lo que a batería se refiere. Debo confesar que siempre me ha gustado hasta cierto punto la música emo: me gusta su energía, su estética y su intimidad, y es por eso que este disco es esencial para entender el género.  Tal vez esta es una elección caprichosa de mi parte, pero es un gran disco que cualquier fan del desafortunado emo debería conocer.

The Shins – Oh, Inverted World

Este disco explotó años después con la insistente Samantha en la película Garden State e inmediatamente se volvió un obligado entre la nueva ola independiente. Guitarras acústicas, una voz susurrante y adormecida y un estilo folk-pop definirían lo que posteriormente conoceríamos como indie. Aunque esto fuera años después. Probablemente la tímida incursión de este álbum en las tiendas haya sido breve y temerosa, pero su recompensa vendría años después al ser referido como una de las bases de casi cualquier adolescente crecido que ahora toca guitarra y secretamente está enamorado de Sam, una romántica proyección de la niña que nunca los peló; es decir, cualquiera de los 4 miembros de cualquier banda indie actual.

Rufio – Perhaps, I Suppose…

Uno de los mejores discos de pop-punk jamás creados, Perhaps, I Suppose… es el clímax y el debut de una de las bandas más significativas del género. Virtuosismo y velocidad, combinados con letras melosas y melodías sencillas hacen que este disco pase tan rápido como se escucha. Cualquiera que se diga fan de Yellowcard y de Rx Bandits miente si no ha escuchado este disco. Es como si NOFX y blink-182 se conocieran, se enamoraran el uno del otro, se casaran y tuvieran un hijo. Fugaz, explosivo y tierno son las 3 palabras que vienen a la mente al escucharlo. El disco que los catapultó a recorrer el mundo, es un obligado si es que uno se considera fan del género. Algo para regalarle al amante adolescente.

Saves The Day – Stay What You Are

Nunca fui gran fan de esta banda, no me gusta la voz y no me gusta lo emo que se ponen de repente, pero debo reconocer que este disco es muy bueno. Es quizá el que más me gusta y reconozco que Saves The Day tiene fanáticos por todo el mundo. Es quizá una de las bandas del género que más seguidores tiene y que más impacto ha causado en la escena pop-punketa del mundo (aunque realmente yo no los encasillaría en ese género. Tienen algo que los distingue. Tal vez no son tan rápidos, ruidosos y divertidos como el resto). Rechazados, adolescentes (muy, si se analiza la palabra), outsiders y, hasta cierto punto, normales. La adolescencia estadounidense se refleja mejor que nunca en este disco.

Blink-182 – Take Off Your Pants And Jacket

No es el mejor disco de la banda, es más, ni siquiera es tan reconocido, pero escuchando track por track me parece que es el disco donde más madurez presentan (antes de cambiarse al emo, que no les funcionó). Eso y que las canciones no dejan de ser inmaduras, juveniles y rápidas. Travis Barker es, para mi, uno de los mejores bateristas de la historia y en este disco lo refuerza (su presentación con Enema Of The State fue impecable). Es un disco que merece un reconocimiento extra, ya que no estuvo a la altura de Enema pero sin lugar a dudas es el segundo mejor disco de la banda pop-punk más importante que jamás existió. Es padre de repente recordar nuestra adolescencia naïve, sobre todo si es acompañado de buena música.

Tenacious D – Tenacious D

El disco debut de una de las bandas más divertidas de la década, Tenacious D cuenta con colaboraciones de Dave Grohl y Steve McDonald. Irreverente, (muy) divertido y con una calidad musical verdaderamente sorprendente, es uno de los discos que todo mundo debe escuchar antes de morir. Muchos los consideran una broma de mal gusto (y bien deberían) pero la realidad es que Kyle Gass y Jack Black lograron armar un proyecto bastante respetable que ha ganado credibilidad dentro de la esfera musical mundial. Aunque no gozaron de un éxito inmediato, lentamente el grupo fue ganándose su popularidad hasta 4 años después alcanzar el reconocimiento de disco de platino en Estados Unidos, gozando también de una salud de ventas en el Reino Unido.

Muse – Origin Of Symmetry

Si, Absolution es la elección obvia… y por eso lo omitiré llegado el año. La verdad sea dicha, el Origin Of Symmetry contiene muchas de las mejores canciones que jamás ha hecho Muse (p.ej. New Born, Bliss, Plug In Baby…). Este disco maravilloso pasó de noche para muchos de los actuales “fans” de Muse (si, los post-Knights Of Cydonia), pero sin duda es un obligado. Origin Of Symmetry es el segundo disco de estudio de la banda inglesa, que explotaría años más tarde a nivel global con Absolution, aunque este disco fue el que los puso en los reflectores en la tierra del té y el buen futbol. Es sencillo darlos por sentado, pero sin este disco, probablemente Muse nunca hubiera alcanzado el estatus de superbanda que tiene hoy. Un disco sólido, oscuro y poco conocido, pero altamente recomendable.

CASI logran la lista:

A.N.I.M.A.L. – 6
Weezer – The Green Album
Black Rebel Motorcycle Club – Black Rebel Motorcycle Club
Agora – Segundo Pasado
Manu Chao – Próxima Estación: Esperanza

Los 100 Discos Olvidados De La Década

Antes de empezar con la lista de los 100 discos olvidados de la década quiero enfatizar que dejaré de lado las elecciones obvias (ya veo las quejas “Dejaste a In Rainbows fuera”). Así que sí, dejaré fuera muchos obvios porque ya hay miles de sitios y revistas donde se pueden checar estas listas, que muchas veces son las mismas con diferente salsa. Esta lista se trata de aquellos discos esenciales que muchas veces son dejados de lado por los “expertos”.

Quiero también aclarar que esta lista sólo está compuesta por discos que he escuchado, así que a lo largo de los años verán esa transición musical con la que fui creciendo. Así que las críticas en ese sentido, aunque bienvenidas, me valen. Por lo mismo, no esperen que haya escuchado toda la música existente. Nadie, ni el staff de NME, lo ha hecho.

También quiero aclarar que van a ir apareciendo en orden cronológico (2000-2009) y no en orden de “importancia”.

Tras el disclaimer, ojalá les guste la lista, son discos imperdibles (en mi opinión) para cualquier melómano, sea cual sea el gusto. Si no has escuchado alguno de estos discos, dale oportunidad. Tal vez coincidamos. Sin más, empezamos:

2000

Los Amigos Invisibles – Arepa 3000 (A Venezuelan Journey Into Space)

Arepa 3000 cayó como una cerveza fría en la playa para todos los que estábamos cansados de tener que bailar merengue en las fiestas. Los Amigos llegaron con un sonido nuevo, fresco, mezcla de rock y música tropical que hablaba directamente a los jóvenes latinos. Entendíamos lo que decían así estuviéramos en Argentina o en México (y hasta en España). Juegos de palabras, picardía y sobre todo mucha diversión llegaron para quedarse. Una bomba inesperada desde Venezuela.

Placebo – Black Market Music

Tal vez no se trate del disco más popular de Placebo, pero definitivamente fue el que los hizo explotar en la escena “alternativa” de la época. También fue con este álbum con el que definieron su base de fans, ideología y curso a seguir. Canciones como Blue American, Taste In Men y Special K siguen siendo clásicos de la banda que surgieron con Black Market Music. Triste, enojado y resentido. Así es Placebo y así son sus fanáticos. Sombríos pero adaptables.

La Gusana Ciega – Correspondencia Interna

LGC, como muchas bandas mexicanas, tienen un estilo poco definido que oscila entre momentos británicos y… bueno, el resto de estilos. Pero a diferencia de muchas bandas mexicanas, LGC no tiene ese sentir tropicalizado que tiene la mayoría de las bandas de “rock en español”. Es por eso que Correspondencia Interna sirve para afianzar lo que se había planteado en Super Bee, su debut de 1997. Este disco, y este estilo de rock puro, hizo que La Gusana soportara el paso de los años en el difícil entorno artístico de nuestro país (no por competido, sino porque no da para vivir).

Zurdok – Hombre Sintetizador

Tal vez el disco mexicano más conceptual que ha vendido algo en Mixup. Una bomba creativa que, desafortunadamente, culminó con el desbande de Zurdok y que, años después, nos haría preguntar cómo sería la música en español si Zurdok siguiera vivo. Es tal vez el OK Computer de la música mexicana y, sin temor a equivocarme, uno de los mejores discos jamás producidos en nuestro país. Melancólico, acústico y electrónico, con tintes de rock. Como OK Computer.

Radiohead – Kid A

OK, este disco sí que estará en las listas obvias. Pero a mi me parece trascendental el impacto que tuvo en todos los aspectos de la música electrónica. Fue uno de los primeros experimentos electrónicos en incursionar en el rock, sin éxito al principio, pero cuyo esfuerzo se vería visto recompensado con el tiempo, como los buenos vinos. Ahora la música electrónica y los sintetizadores están de regreso en el rock, algo que se había perdido durante la década pasada. Algunos lo debaten como el mejor disco de Radiohead. Está difícil.

A Perfect Circle – Mer De Noms

El disco debut de uno de los side projects del frontman de Tool, Maynard Keenan, quien se rodeó de talento para formar APC. Uno de los discos melódicamente más hermosos del rock experimental, Mer De Noms sería la inspiración para muchas de las bandas de rock progresivo que surgirían después. Los riffs de guitarra son mágicos, la voz de Maynard es, como siempre, impecable, y la batería es precisa, igual que las líneas de bajo. Oscuro, deprimente y melódico, belleza pura entre sombras.

Lifehouse – No Name Face

El disco debut de unos cristianos que agarraron guitarras, bajo y batería y se pusieron a cantarle a Dios de la misma manera en la que una persona normal le cantaría a su novia. Si, puede sonar cursi, pero musicalmente este disco, viéndolo en retrospectiva, es impresionantemente bueno. Comercialmente fue una bomba de una banda que (casi) se quedó en la lista de one-hit wonders. Solamente porque tuvieron muchos, y muchos salieron de este disco. Si lo tienen guardado en el baúl, desempólvenlo y verán de lo que hablo. Confíen en mi. Además, a todos nos gustó, admitámoslo.

H.I.M. (His Infernal Majesty) – Razorblade Romance

Nos pasamos del otro lado, ahora le cantamos a Satanás de la misma manera en la que le cantaríamos a nuestra novia. Es extraño, pero cierto: H.I.M. es la banda finlandesa que definió (e inventó) el término Love Metal. Con fanáticos a lo largo y ancho del planeta, este es el disco que más cómodamente uno escucha en relación al resto de sus discos. Distorsión atascada, guitarras en do y un sonido sólido acompañan a una voz angelical (recordemos que Lucifer también fue un ángel). Un disco obligado para todos los rockeros que gustamos de agitar la melena.

Midtown – Save The World, Lose The Girl

Es el disco clave de una de las bandas más representativas del pop punk. Es uno de los primeros discos que marcaron la unión entre el pop punk a-la-Ataris y el emo a-la-Sunny Day Real Estate. Si bien es un género que a la mayoría nos tiene cansados, no podemos ignorar su importancia en el desarrollo de la música del género de los siguientes 4 años. Es un buen disco, aunque desafortunadamente MTV nos ha colmado del género. Habrá que esperar unos años para vovler a desempolvarlo sin resentimientos.

Deftones – White Pony

Sin lugar a dudas, es el mejor disco de los Deftones, musicalmente hablando. Desde joyas melódicas como Digital Bath, Passenger, Pink Maggit y Change (In The House Of Flies) hasta momentos metaleros como Knife Party, Korea y Feticeira, este disco es (casi) perfecto de principio a fin. Significó el cenit de la carrera musical de los Deftones, su punto máximo y el inicio de su declive, porque nunca podrán hacer un disco como éste. Si no lo han escuchado, de verdad, aunque les guste Motel, denle una escuchada.

CASI logran la lista:

Saves The Day – Can’t Slow Down

Fuel – Something Like Human

Oasis – Standing In The Shoulder Of Giants

Dashboard Confessional – The Swiss Army Romance

Phoenix – United

El viernes, lo mejor que salió en el 2001 y tal vez no te enteraste.

José González

Es lunes de nueva música en Bolten Inc.

José González

Como ya se está volviendo costumbre (a falta de nuevos actos interesantes – en diciembre y enero saldrán más. Esta época es medio lenta siempre) este lunes voy a hablar de un artista que no es precisamente nuevo, pero sí muy desconocido en nuestra hipsterósfera.

José González es un sueco hijo de padres argentinos que canta en inglés. Silvio Rodríguez lo nombró como uno de sus artistas favoritos. Es un músico cosmopolita, por así decirlo. No obstante, su música está desnuda de elementos hasta quedar con la muy básica combinación de guitarra acústica y voz. Nacido en Gotemburgo, con alma latina y entorno invernal, sus influencias van desde los Wailers de Bob Marley y Michael Jackson hasta los Misfits y Black Flag. Puntos completamente distintos pero paradas necesarias en el trayecto de cualquier gran músico.

José González - Veneer (2003)

Salido de las filas de varias bandas de hardcore, González creció. Y cuando uno crece los oídos se van haciendo más sensibles a la distorsión (desafortunadamente). Y es que la ha eliminado por completo, para crear un indie folk de primerísima calidad: sencillo, melódico y personal. Lleva haciéndolo desde el 2003, cuando mientras estudiaba su carrera de bioquímico en la Universidad de Gotemburgo sacó Veneer, un álbum sencillo pero grandioso. Tras el éxito que tuvo en Europa, hizo lo que cualquier persona sensata haría: dejó de lado sus estudios -que aún no termina- para perseguir un futuro en la música. Y vaya que esa persecución ha rendido frutos: desde colaboraciones con muchos otros músicos hasta tocar en los grandes festivales musicales de nuestros tiempos (Lollapallooza, Glastonbury, Coachella…).

Su música -obviamente- tiene tintes científicos en cuanto a su temática: evolución, biología y paradojas. La ejecución es bastante sencilla, incluso amateur (BUEN amateur). Se nota el casi nulo uso del metrónomo, de las guitarras Taylor de miles de dólares y de micrófonos carísimos y clases de vocalización. Más bien parece que llegó, se sentó y tocó frente a un micrófono que por accidente tenía activado el REC. Así fue con Veneer, un disco indie, lo que significa que la producción y la realización corrió a cargo de él mismo, sin ayuda del dinero de las grandes disqueras. Así también parece haber sido con In Our Nature, de 2007, aunque para este tiempo ya contaba con el apoyo de disqueras medianas como Parasol.

José González - In Our Nature (2007)

Sin duda, uno de los grandes talentos de la cantautoría actual y una recomendación sorprendentemente hiponótica y adictiva. Sus covers también son imperdibles.

Te va a gustar si te gusta: Bon Iver, Damien Rice, Rodrigo Y Gabriela.

Bonus, el cover que hizo de Teardrop, de Massive Attack.

12 preguntas con… Jiony

A Jiony lo conocí hace ya varios años. Él, casi hermano de un buen amigo de la universidad, siempre se ha presentado diciendo que hace música. Todo este mundo de los Dj’s para muchos es muy superficial y ocioso, para otros, siendo el ejecutante o el escucha, es el espacio en el que se pueden canalizar la mayoría de las emociones que se enfrentan diariamente. Jiony, no sólo es DJ, él hace música y no habla con palabras que muchos no entienden, no inventa conceptos que no existen para sorprender a los demás; él tiene su plática y su propia experiencia, con la que vive todos los días y con la que aprende de la vida misma para fortalecer su contenido musical. Jonathan Muriel (Jiony) hace música y ésta, a su vez, hace a Jiony. La música lo desdobla por la vida con una armonía casi disonante, con sonidos que emulan la reflexión de algunas situaciones vividas. La música creada por Jiony es algo muy cercano a él y eso hace que él la viva de otra forma que nunca los demás conoceremos. Podría seguirles escribiendo algunas cosas de Jiony, pero eso ya sería mi experiencia y esta entrevista se hace para que ustedes lo conozcan mejor. Les voy a pedir que le den play a la canción que pongo a continuación mientras leen la entrevista, ya después podrán escuchar las demás. No olviden entrar al Myspace de Jiony.

1. ¿Qué parte del día te inspira más para trabajar?

Me he acostumbrado a trabajar desde el medio día, después de desayunar y bañarme.

2. ¿Cómo definirías tu trabajo? ¿Qué busca?

Experimentos, a veces emocionales, tratando de sonar a algo conocido.
Fuera del ego, lo único que busco es solo experimentar, distraerme… o más bien, darle mi atención a algo que me gusta.

3. Define la evolución que ha tenido tu trabajo.

La evolución de mi trabajo siempre es definida por mi propia evolución; hoy sé usar mejor el programa con el que trabajo y al mismo tiempo, estoy comenzando a usar otros programas, pero por otro lado, dejé de tocar el teclado y por falta de práctica he olvidado las clases de armonía, esto lo puedo sentir en mi música.

4. En el proceso creativo, ¿experimentas o prefieres un método estable?

Prefiero experimentar, por más que quiera sonar a algo, me gusta experimentar.

5. ¿Quién o qué, es tu inspiración más grande?

La vida, la muerte y todo el significado que les doy.

6. Si pudieras conocer a un artista, vivo o muerto ¿quién sería?

John Lennon está de moda para mí.

7. ¿Qué música escuchas últimamente?

Últimamente me he interesado mucho en el rock de los 60’s y 70’s, pero tambien me gusta estar en el presente. Hay un disco de Uzi & Ari que se llama Headworms (2008), al rededor de ese estilo de música me gusta escuchar últimamente.

8. Una película que nos recomiendas… ¿por qué?

Despertando a la vida (Waking life), porque esa película respondió a muchas curiosidades que tenía la primera vez que la vi y porque son de esas películas que cuando pasa el tiempo y las vuelves a ver, entiendes más y mejor.

9. Una ciudad/lugar/rincón en el mundo que te mueva… ¿por qué?

Alemania, he conocido a mucha gente que me gustaría seguir conociendo y me he encariñado mucho con ellos, su idioma, su música, su historia, su arte, etc.
Y… Egipto.

10. ¿Qué opinas sobre esta generación?

Podría dar una opinión muy subjetiva de la generación en la que me ha tocado vivir, ademas nuestra generación apenas esta tomando forma, pero espero que nuestra generación se concientice sobre todos o muchos de los problemas por los que atravesamos, desde un punto de vista individual y colectivo, esto ayudaría a nuestra generación y a las que siguen en su forma de vivir.

11. ¿Qué te hace feliz? ¿Qué te hace enojar?

Me hace feliz la simplicidad a veces acompañada de sonidos, me enoja la monotonía.

12. ¿Cuándo trabajarán Bolten Inc y Jiony juntos?

Ya estamos trabajando juntos.