Días antes de comenzar el fabuloso verano que nos dejó el 2009, la más fiel escudera del unicornio, Lisa Pérez (jeje) y Kik se tomaron esta foto en Barcelona. Posaron frente a una de las parejas más famosas de esa ciudad, Pez y Pescadita, los personajes que suele retratar el artista urbano bautizado, curiosamente, como El Pez. Desde hace rato le seguía la pista, pero al ver la entrevista echa por El Parlante Amarillo (ver abajo), no me quedó de otra que hacer una breve entradita. Si bien -y en lo personal- su obra no me llena el ojo por completo, les recomiendo que escuchen la entrevista. Lo escribo, principalmente, por un par de apuntes que en realidad son la meritita esencia del street art. Ninguno: ni Banksy ni Blu ni David Ellis ni otro picudo del graffiti ha comenzado su carrera pensando en el éxito o en el impacto de sus pintas y mensajes. Su fama y reconocimiento han llegado por inercia, por el boca a boca, por cada golpe de retina que recibe un transeúnte cualquiera, por el eco natural de las calles que comunican más de lo que nos podríamos, siquiera, imaginar. El nado de Pez lo demuestra. Una vez más.

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A sugerencia del único amigo mexico-catalán del Bolten Inc, Roger Perrier, llegamos al movimiento de Public Ad Campaig, cuyo objetivo es reordenar la publicidad callejera en la ciudad de Nueva York. Su eslogan, expanding curatorial responsabilities in the city, es un tanto presuntuoso pero en sí, lo que hacen, es asumir un rol de activistas del espacio urbano en dos vías: eliminar lo ilegal y promover el trabajo de artistas que gusten de la expresión que halla su más significado genuino en las paredes, banquetas y bardas.

En México, no hay algo por el estilo, por lo menos que yo sepa. Hace un rato que no sabemos nada de Neta Muros, una iniciativa un tanto ñoña que proponía acudir a las pintas como una forma alterna de expresión, y por el otro lado, en la capital del país, la encargada de confrontar a la industria de la publicidad callejera (conocida como Out of Home) ha sido desde 2005 la Secretaría de Desarrollo Urbano. Actualmente, el proyecto de reordenamiento del espacio público, en lo concerniente a la publicidad sigue vigente. Se llama Por una ciudad limpia, y lo que busca es homogenizar tantísimo cartel que rompe, de forma irremediable, con el equilibrio de un horizonte, de por sí nebuloso y asfixiante por la contaminación y el tumulto. ¿Alguien sabe de alguien o algo que esté combatiendo la mafia de la publicidad en la capirucha? Pasen el dato.

Estamos de vuelta, sólo fue un pequeño respiro. Para iniciar la última semana del año, un poco de alegría y color. Después de vagar por distintas zonas de la ciudad de México, confirmamos una vez la carencia de arte urbano en la calles de la urbe más grande del mundo. Expresiones que nos sorprendan y nos iluminen, aunque sea un poquito, la pesadez de los días. Uno (s) de los exponentes más referidos en este tema es la pareja compuesta por Gustavo y Otávio Pandolfo, conocidos mundialmente por su nombre artístico, Os gêmeos, que significa algo así como Los gemelos. Su arte me recuerda, en un sentido pictórico y expresivo, al de otro dúo brasileño, 6emeia. Sin duda, Os gêmeos, pertenecen a la crema y nata de los artistas urbanos porque a través de la susutancia de sus temáticas y la combinanción de colores y formas sumamente atractivas y amenas, cumplen el objetivo de llenar la púpila de los ciudadanos del mundo. Bien por estos hermanos.

¿Quién es Tom Raworth?

English is a meaningful language (Anon.)

Language is nothing but meanings, and meanings are nothing but a flow of contexts.

Such contexts rarely coalesce into images, rarely come to terms.

They are transitions, transmutations, the endless radiating of denotation into relation.

Ron Silliman

Encontrarse con otra novedad de Sur+; una selección de poemas de Tom Raworth “el tiempo se volvió cuero” traducido y recopilado por Gabriela Jauregui. Lo primero que uno piensa es -¿Por qué una editorial que comienza decide publicar esta edición bilingüe sólo de Raworth? ¿Por qué es importante traducir sólo a Raworth? No se entiende si el propósito de la editorial es verdaderamente dar difusión a un poeta del British Poetry Revival o simplemente publicar a un poeta raro.

Hay que decir que Raworth pertenece a esa generación de poetas ingleses que a la par con los Beats, los poetas del Black Mountain College y los de la New York School estadounidenses,  exploraron y experimentaron con otras formas de expresión poética, una poesía casi sin voz, distinto a los poetas del “Movement” (dígase Philip Larkin). Sí, el British Poetry Revival fue el movimiento contra el Movimiento, que conforme se fue elaborando y conforme se manifestaban inquietudes similares en Estados Unidos e Inglaterra, surgieron poetas experimentales como Robert Cleerley, Allen Gingsberg, Charles Olson, entre otros. Como fruto de estos grupos de poetas, surge el L-A-N-G-U-A-G-E poetry. Género que de alguna forma los engloba.

Ahora, ¿La pregunta es si Raworth es el mejor representante del Language poetry como para hacerle un libro? Al leer esta colección de poemas se llega a la necesidad de acudir al audio. Hay que escuchar a Raworth leerse a sí mismo para encontrar el sentido de su poesía. En este caso sí, las pausas, la concatenación de sonidos o fonemas, el recurso de insertar fonemas de otra lengua hace sentido. Se entiende entonces el reto que pone Raworth al no usar puntuación, al establecer las pausas en la escritura. Se entiende que su poesía apela a un lector/escucha que habrá de encontrar el significado según los ritmos y encabalgamientos de palabras que éste decida. El poeta no los establece. Se puede, al escucharlo, entender que su idea de language poetry es la de la relatividad del significado más allá de la sintaxis, la gramática, la lengua o la ortografía, es decir, es el lenguaje lo que dicta el significado no al revés. Es una cuestión de orden, de ritmos, de tonos lo que va a generar el sentido del poema.
Ahora. Hubo que escucharlo, después escucharse; leerlo me pareció inútil. La sensación fue llana, por lo tanto a la traducción le sucede lo mismo; ya de entrada el español no suena igual y en este caso importa. Por otro lado, esta edición de Sur+ no ayuda mucho pues la introducción es muy limitada y se repliega. Evita desarrollar sobre el propósito y demarcación histórica del poeta y su corriente. Es arriesgado publicar a un poeta experimental, sin avisar, sin ser claros sobre cuál es el experimento del que hablamos. Raworth, se puede decir, es un poeta para estudiosos de la poesía más que para aficionados o simples lectores que responden a metáforas, métricas, imágenes, traslaciones, aliteraciones, etc. Y si la intención de la editorial fuera realmente darle un lugar a los movimientos, poetas y escuelas que ya mencioné, lo ideal sería una antología, en la cual Raworth sería de los poetas menos trascendentes. Aquí es sólo una lectura, nuestra lectura.

NOTA: Esta lista está compuesta por 10 discos que considero esenciales durante el año en cuestión, algo que no puede faltar en el ropero del melómano. Se trata de discos que no han sido incluidos en la mayoría de las listas “profesionales” (y a los cuales me referiré como “elecciones obvias”) pero que siguen siendo excelentes y totalmente recomendables.

Queridos lectores Bolteneanos, ésta es la última lista por un par de semanas ya que estaré disfrutando del paradisiaco (yeah, right) puerto de Mazatlán por unos días y por lo tanto estaré alejado del internet, el ciberespacio y, más importante, mi iTunes (desafortunadamente). Regreso a principios del 2010 (uy) para darle cran a los últimos 3 años de la década. Mientras tanto, disfruten la música que les recomiendo. Aprovechen sus aguinaldos y compren al menos un disco. Hay que mantener al formato vivo, por favor.

Otra cosa, discriminar discos para quedar en la lista de CASI resulta más difícil de lo que creen y por eso decidí eliminar esa sección e incluir otra en la que incluyo los demás discos del año que recomiendo (obviando las elecciones… bueno… obvias).

Felices fiestas y salud!

2006

Youth Group – Casino Twilight Dogs

Youth Group son unos australianos que llevan haciendo música desde los noventas, pero que realmente me cautivaron con Casino Twilight Dogs y su cover de la canción de Alphaville, Forever Young. Casino Twilight Dogs es su tercera entrega y, a pesar de ser un grupo que nunca ha visto las ondas radiales de occidente, en su natal Australia son un grupo muy reconocido. No es para menos. Casino Twilight Dogs es una muestra de su calidad, su talento y su capacidad para hacer música: folk rock a-la-Decemberists con dejos de rock sureño estadounidense a-la-Tom Petty And The Heartbreakers. Recordemos que Australia es un foco brillante en cuanto a la producción de rock.  Caso curioso: la vida los llevó a que sus discos fueran editados en Estados Unidos por Epitaph, la disquera punk por excelencia.

The Decemberists – The Crane Wife

Puede sonar como una elección obvia, pero no me voy a arriesgar con los “expertos” y mejor lo incluyo. The Crane Wife es un disco concepto que cuenta una historia popular japonesa en la que un hombre rural cura a una grulla que encuentra herida en el campo. Resulta que, muy japonés, esta grulla era mágica y unos días después, llega con el hombre en la forma de una mujer hermosa, de quien el hombre se enamora. Como eran pobres, deciden hilar una tela para venderla en el mercado, con la condición de que la mujer lo hiciera tras puertas cerradas. Pasa el tiempo, les empieza a ir bien económicamente y la curiosidad hace que el hombre abra la puerta mientras su esposa trabajaba, para encontrarse con que su esposa es la grulla que rescató años antes. La grulla usaba parte de su plumaje para hilar esa tela hermosa. Al verla, el hechizo se rompe y la grulla se va volando para nunca regresar. Triste historia que deriva en un magnífico disco con pasajes progresivos más propios de los reyes Pink Floyd que de unos tipos de Portland, Oregon. Uno de los mejores de la década.

The Butterfly Effect – Imago

The Butterfly Effect es una banda desconocida oriunda de Brisbane, Australia cuyo segundo disco, Imago, debutó en el #2 de las listas de popularidad australianas. Un disco post-grunge que también coquetea con ser art-rock, Imago es pesado, progresivo, y tiene influencia clara del muy odiado nü-metal, pero eso no significa que sea un disco malo, al contrario, empapado con los géneros de la nueva década, se vuelve un disco muy interesante por sus riffs de guitarra pesados, la voz poderosa de Clint Boge y la melodía desencajada y el tono general del disco. No es un disco para el diario, se necesita cierto mood para poder disfrutarlo, pero cuando ese mood está presente, este disco sin duda es una verdadera joya ensombrecida por los fantasmas sonoros de su pasado. Desestimen la influencia nü-metal y veanlo como un disco de rock pesado. Hecho eso, disfruten esta pieza de furia juvenil. Imperdible.

Unearth – III: In The Eyes Of Fire

Ya que estamos en un mood para algo pesado, una de las mejores bandas de metalcore nos entregan en esta, su tercera producción, una muestra de que sigue existiendo música pesada. Doble bombo, afinaciones en Do y gritos se combinan perfectamente para regalarnos una de las mejores piezas de lo pesado que se pueden encontrar en ésta década. Pasajes melódicos se dejan entrever en algunos coros para aliviarnos de la constante metralla que significa este estilo para alistarnos nuevamente al reingreso. Un gran disco que incluso debutó en el #22 de Billboard, cortesía de una de las mejores bandas del género. Les advierto, no es un disco para todos. Para los que alguna vez fuimos fanáticos de Pantera, es un regalo de los dioses.

Trentemøller – The Last Resort

Este danés (y dale con los escandinavos) es mi artista electrónico preferido, no porque me pone a bailar, sino todo lo contrario. Es cierto que muchas de sus canciones tienen beat bailable, pero es más un movimiento rítmico de la cabeza que un sonido para poner en fiestas. Me gusta describir a este, su álbum debut, como un disco introspectivo y personal. Catalogado en el minimal, también tiene ciertos pasajes techno y progre, pero no me voy a meter en etiquetas y simplemente voy a recomendar este disco como algo de lo mejor que dio la electrónica en esta activa década. Todos alguna vez nos hemos topado con alguien que “no le gusta la electrónica” sin dar razones concretas, aunque todos entendemos la razón. Es un género difícil. Este disco demuestra todo lo contrario.

Zoé – Memo Rex Commander Y El Corazón Atómico De La Vía Láctea

Mucha polémica ha generado Zoé en cuanto a si están sobrevaluados o son unos de los máximos genios que ha entregado nuestra música. Pese a su sobreexplotación (que no sobrevaluación), Zoé sigue, indudablemente, siendo la banda referente para las bandas emergentes de nuestro rock. Asi que si no les gusta Zoé, no les va a gustar lo que venga de rock mexicano en los siguientes 10 años. Disco de oro (60,000 unidades, según los estándares mexicanos) antes de las 4 semanas desde su lanzamiento, Memo Rex Commander Y El Corazón De La Vía Láctea se antoja como el mejor disco de la banda. Su tercera entrega, es cuando se escuchan más maduros que nunca, una banda completamente definida. Suena británico, suena mexicano y suena único. Simplemente, una de las razones por las cuales Noiselab sigue vivo en nuestro pirata y popero país.

The Early November – The Mother, The Mechanic, And The Path

Curiosamente, el disco que definiría la explosión artística de una de las bandas referentes del emo sería su segundo disco. Tras este disco, también, The Early November se desbandó y nos quitó el plato a medio filete. Un disco concepto triple sería la sorpresa que nos llevaríamos los fanáticos tras el excelente The Room’s Too Cold (2003), durante el cual la historia narrada es excepcional. El tercer disco (The Path) funge como una suerte de audiolibro en el que se cuenta una historia trágica, triste y desoladora. Los otros dos discos sirven para definir personajes: The Mother incluye muchas canciones acústicas y radio-friendly y The Mechanic es un disco tenso, pesado y rockero. En total, es un estudio meticuloso e introspectivo acerca de las capacidades de Ace Enders como artista y la banda como un todo. Desafortunadamente, esto trajo peleas, desesperación y desacuerdos entre los miembros de la banda. Así de bueno es.

Moneen – The Red Tree

Esta banda canadiense de indie rock llegó como estruendo a mi colección con este disco, su tercera producción de estudio. The Red Tree es una obra artística que impacta por su melodía y la bipolaridad de sonidos entre rock puro y pasajes melancólicos y tenues. Puede sonar mucho como su disco emo de cabecera, pero la realidad es que no lo es. Con canciones que referencian desde el muro de Berlín hasta a John Locke, se convierte en un álbum divertido e interesante al escuchar y también al analizar, con muchos “huevos de Pascua” por encontrar. Los títulos abismalmente largos también juegan un papel determinante en la percepción de cada canción y no deben ser dejados de lado. La realidad es que muchas veces el sonido engaña y casos sobran. Moneen es uno de esos casos que no refieren a un adolescente dolido sino a un adulto joven letrado y educado. Un disco muy recomendable. Sus pasajes acústicos son imperdibles.

Saosin – Saosin

Saosin es el proyecto más popular del gran Anthony Green (Circa Survive) y este disco fue el que los llevó alrededor del mundo, aunque para el 2006 Green ya había dejado la banda. Alcanzó el #22 en Billboard y su sencillo You’re Not Alone tuvo gran rotación en las estaciones de rock alternativo. La crítica fue un tanto injusta con éste álbum y me parece que lo juzgaron muy a la ligera. Subsecuentes escuchadas develan una banda seria, madura y lista para devorarse el mundo. La realidad es que es un disco sólido, preciso y sónicamente profundo. Melodías alarmantemente pegajosas de inicio a fin y unos arreglos que sólo pueden venir de una banda que se animó a trabajar con el propio Green desde un principio. Arriesgados, poco convencionales pero sobre todo originales. A primera vista puede no parecer así, pero tras escucharlo durante años, créanme, lo son.

Matchbook Romance – Voices

Muchos criticaron a Matchbook Romance por copiar los estilos de moda a la hora de lanzar un disco. Será el sereno, pero la realidad es que Voices es uno de los mejores discos que dio la década que en unos días termina. Tras el debut pop punk de Stories And Alibis (2003), Matchbook Romance regresó con Voices, un disco sorprendentemente oscuro y personal. El estilo es muy similar al Absolution de Muse combinado con mucho de su propia cosecha, logrando un disco brillante a pesar de su oscuridad. Los acordes disonantes, puentes épicos y riffs generales lo destacan como un disco único y no una copia, como muchos criticaron. Tras este disco, Matchbook Romance se desbandaría sólo para regresar unos años después (hace poco). Es por eso que vuelven a estar en mi lista de bandas que tengo que ver antes de morir. Así de simple.

También de este año:

Finde – Buscando Ángeles
División Minúsucla – Defecto Perfecto
Underøath – Define The Great Line
Brand New – The Devil And God Are Raging Inside Me
Band Of Horses – Everything All The Time
Beirut – The Gulag Orkestar
Isis – In The Absence Of Truth
Taking Back Sunday – Louder Now
Men, Women & Children – Men, Women & Children
Mute Math – Mute Math
Pearl Jam – Pearl Jam
Cold War Kids – Robbers & Cowards
Jet – Shine On
The Eternal – Sleep Of Reason
…And You Will Know Us By The Trail Of Dead – So Divided
The New Amsterdams – Story Like A Scar
Quietdrive – When All That’s Left Is You
We Are Scientists – With Love And Squalor
Jeremy Enigk – River To Sea
Tool – 10,000 Days
Damien Rice – 9